[색채] 아우구스토 자코메티: 색채의 거장

전시실에 들어서자마자 1896년 디자인에 기반한 꽃무늬 벽지에 그려진 아우구스토 자코메티의 자화상 중 하나를 마주하게 됩니다. 맞은편에는 1922년에 제작된 컬러 교향곡 ‘ 기쁨 ‘이 전시의 폭과 자유 회화 및 커미션 작품의 테마를 설명하는 작품으로 관람객을 맞이합니다.

아우구스토 자코메티(Augusto Giacometti)의 1941년 자화상 앞의 아라우(Aarau) 미술관 관장 카타리나 암만(Katharina Ammann). 사진: R.+E. 뷸러

아우구스토 자코메티Augusto Giacometti(1877~1947)는 스탐파(Stampa)의 자코메티(Giacometti)가문 출신으로, 몇 살 위인 지오반니(Giovanni)의 두번쨰 사촌으로 여행을 자주 다니고 인맥이 두터웠지만 평생 베르겔(Bergell)에서 살았고, 그의 가장 유명한 아들 알베르토(Alberto)는 스스로 선택해 파리지앵이 되었어요. 알베르토는 색채를 거의 사용하지 않았지만 아우구스토는 색채가 작품의 중심이었기 때문에 추상화로 이어졌습니다.

함부르크, 1927년. 개인 소장품. 사진: 찰리 루빈

아르누보로 분류된 작품이 전시된 홀의 모습. 전면 벽 “The Night”, 1903. Kunsthaus Zurich. 사진: René Rötheli, 바덴

이 회고전은 또한 그가 중세를 지향하면서 동시에 현대화했던 스테인드글라스에 초점을 맞추고 있습니다. 추상화의 길은 그가 클루니 박물관에 남긴 메모를 바탕으로 추적할 수 있습니다. 그는 스승인 외젠 그라셋의 계획에 따라 중세 스테인드글라스의 색상을 분석했는데, 비구상적인 색채를 배제하고 색 값과 색조에 주목했습니다. 19세기에는 유리를 단순히 칠하는 데 그쳤지만, 자코메티는 유색 유리 조각과 검은색 땜납을 사용하여 궁극적으로 추상적인 작업 방식을 추구했습니다.

스위스 연방의 의뢰로 제작된 1030/1931년 작품인 스테인드글라스“시골에서의 작업(Work in the Countryside)” 설치 전경. 사진: René Rötheli, 바덴

그는 매우 영예로운 주요 예술가였지만, 그의 디자인과 작품 중 일부는 불과 1년 만에 거부되거나 심지어 철거되었는데, 1931년작 ‘ 시골에서의 작업 ‘은 국무원 회의실의 휴대품 보관소를 너무 어둡게 만든다는 평을 들었습니다.

빌라 블로흐-힐브(Villa Bloch-Hilb)에서: 시골 생활, 두 번째 창문의 일부. 1920. 사진: 필립 히츠, 취리히

물론 전시회는 스테인드글라스의 몇 가지 예와 디자인에 국한되어 있지만 그로스뮌스터, 프라우뮌스터, 바서키르히, 또는 더 멀리 쿠어의 생 마르탱을 거쳐 보르고노보까지 여행을 떠나 유리 화가 아우구스토 자코메티에 대해 더 자세히 알아보는 것은 어떨까요? 1920년 ‘시골에서의 삶 ‘을 주제로 한 빌라 블로흐-힐브의 스테인드글라스 창문이 온전히 전시되어 있습니다.

1917년 여름 밤, 뉴욕 현대미술관 소장품. 사진: 뉴욕 현대미술관 / 피렌체 스칼라 박물관

자코메티의 의뢰 작품과 자유 작품의 중심에는 항상 색채가 있습니다. 자코메티의 그림은 색채가 매우 밝아서 파리의 인상이나 여름밤의 회상 등 그림의 내용이 보는 사람의 머릿속에 즉각적으로 각인됩니다. 그의 풍경화나 도시 풍경과 같은 구상화에서도 색채가 지배적인 반면, 모티브는 종속적이거나 제목에서 영감의 원천으로만 인식될 뿐입니다. 비트 슈투처는 새로 발간된 카탈로그에서 자코메티의 1933년 강연 ‘ 색채와 나 ‘를 언급하며 “회화 스타일과 도상학의 변화에 관계없이 색채의 사용은 작품 전체와 관련된 결정적인 상수였다”고 설명합니다.

1945년 작품 ‘나의 작업실’을 재현한 설치물 전경. 그 앞에는 관람객이 작가의 작품을 더 깊이 들여다볼 수 있는 스테이션 중 하나가 있습니다. 사진: R.+E. Bühler

아르가우 전시는 2020년까지 쿤스트하우스 디렉터 카타리나 암만이 이끌었던 스위스 예술연구소(SIK-ISEA)에서 새로 발간한 도록 이유네를 기반으로 하고 있습니다. 카타리나 암만 디렉터는 도록 ‘이유’에 참여한 SIK의 마이클 에글리, 데니스 프레이와 함께 전시를 준비했습니다. 이들의 목표는 관심 있는 관객에게 연구 현황을 전달하는 동시에 모든 관람객이 자코메티의 작품에 직접 접근할 수 있도록 하는 것입니다.

도록 대신 과학적 연구 결과를 요약하고 작품을 쉬운 언어로 설명하는 간결한 전시 가이드가 있습니다. 방문객들은 가상 현실 안경을 착용하고 블룸리할레의 중심부로 바로 들어갈 수 있는 등 적절한 교육용 스테이션을 통해 화가에게 재미있게 다가갈 수도 있습니다.

Piz Duan의 등반. 1912. 취리히 쿤스트하우스. 사진: SIK-ISEA 취리히(Martin Stollenwerk)

이 회고전에서는 세 점의 색채 판타지가 벽면을 가득 채우고 있습니다. “1912년에서 1917년 사이에 제작된 이 작품들에서 작가는 비표현적 회화에 대해 말할 수 있을 정도로 표현적인 것에서 벗어나고자 했습니다.”라고 도록은 설명합니다. 정사각형의 형식과 대비로 가득한 색채의 리드미컬한 적용 덕분에 내면의 조화와 끝없는 확장이 만들어집니다. 그림 중 하나인 ‘ 피즈 두안의 상승’은 이 주제에 대한 유일한 언급입니다. 자코메티는 산의 경이로움을 연상시키는 가벼움과 평온함의 환상을 이곳에 창조했습니다. 사물의 본질에 대한 이야기입니다.

이젤의 마지막 그림: Amaryllis, 1947. Aargauer Kunsthaus, Aarau. 사진: Brigitt Lattmann

이는 그의 꽃 그림에도 적용되는데, 그는 비구상적이지만 각 꽃의 본질을 보여주고자 했습니다. 일상적이고 능숙하게 그려진 이 정물화는 종종 스튜디오에서 직접 구입했으며, 가장 마지막 작품인 작은 화분에 담긴 두 개의 새빨간 아마릴리스는 아르가우어 쿤스트하우스에 선물로 주었습니다. 자코메티는 죽기 전 자신을 돌보던 의사에게 이 작품을 남겼습니다.

꽃 그림으로 가득 찬 벽. 사진: R.+E. Bühler

자코메티는 창작 기간 내내 정기적으로 자화상을 그렸습니다. 아르누보에서 후기 작품에 이르는 그의 발전 과정을 이 초상화에서 볼 수 있습니다. 예를 들어, 우표 크기의 컬러 스케치(드로잉이라기보다는 두세 점의 색을 칠한 것에 가깝다)에 의존하는 자코메티는 결과물이 만족스럽지 않아 여러 번 수정하는 과정을 박물관에서 볼 수 있습니다.

15개의 필드가 있는 색채 추상화, 1900년경, 개인 소장. 사진: SIK-ISEA(필립 히츠)

이 자화상들에서 그는 항상 제대로 차려입은 시민으로 자신을 표현합니다. 그는 외모를 중요하게 생각했고 옷에 많은 돈을 썼다고 합니다. 연방 의원을 알고 있고 부유 한 후원자와 수집가가 있다면 그에 따라 나타나야합니다. 대중의 지원과 의뢰 작품 덕분에 주립 예술가가 된 자코메티는 예술 정치가도되었습니다. 1939년, 그는 연방 미술 위원회 회장으로 선출되었습니다.

회화, 건축 예술, 스테인드글라스 창문 회고전과 동시에 쿠어 쿤스트뮤지엄은 아우구스토 자코메티 전시를 선보이고 있습니다. 콘템포라치오네. 종이에 그린 작품. 파스텔 드로잉은 자코메티에게 중요한 작품으로, 구상과 추상 사이에서 회화적 언어를 발전시키고 빛과 색을 특히 투명하게 표현할 수 있었습니다.